Las
pinturas de esta serie plantean un sistema vital que promueve reflexiones sobre
la vulnerabilidad del género pintura, nuestro accionar (estéril) sobre la
traducción, sobre el arte y su sentido, sobre el espacio y los territorios de
poder. El arte nos ofrece, gracias y a pesar de su espectacularidad, un
diagnóstico dudoso. Pensar el arte o en este caso la pintura, como un mapa sobre
el presente, las relaciones de los hombres y la naturaleza sería una hipótesis
inverificable.La geometrización de lo social a través de estructuras de control
y la emergencia de toda una serie de instituciones destinadas al encierro, la
disciplina, la cura, fue un aporte fundamental de Michel Foucault a la cultura
contemporánea. Muchos pintores a finales del siglo XX presentaron la crisis de
la geometría en sus obras como un tópico que emparentó los textos de Foucault y
un reordenamiento del territorio donde la geometría en la pintura se mantiene
lejos del ideal de Euclides. Por el contrario se muestra más cerca de una
representación del panóptico y sus organizaciones sociales, como formas de
diagramas del control. Una geometría que se mimetiza en la pintura como algo
vinculado a lo narrativo y a lo figurativo. La geometría dura que representa el
hospital, la fábrica etc., ha dado paso a una geometría blanda, vinculada con
espacios sin identidad ni memoria, no-lugares, a la autopista, a internet.
Espacios que se definen principalmente por la imposición de un tiempo actual.
Espacios para recorrer, no para vivir y que se miden en unidad de
tiempo. Lo que hace una década se planteaba como una experiencia propia de
la red, hoy está integrado en nuestras experiencias cotidianas: en las
concentraciones urbanas, en los medios de transporte, las autopistas, los
aeropuertos, los parques de diversión, los supermercados, los grandes centros
comerciales. La pintura como un hecho en sí mismo, su auto conciencia es un
abordaje que se transforma en herramienta. Un sistema de pensamiento se acomoda
y el foco de investigación es el color, el cuadrado, el rectángulo, la
ortogonal. El fenómeno dominante es el color, irrestricto y tóxico, redundante e
internacionalista. La anamnesia del color en cada obra consiste en variadas
capas de pintura a veces transparente, a veces opalescente, y/o flúo. El
color es una postura política, quizás sólo para una lectura local. Es un
manto extraño sobre la producción intelectual influenciada por la modernidad
montevideana, las tonalidades y las sombras, que por otro lado son
características de la idiosincrasia nacional. El color irrestricto es un
territorio que no responde a teorías del color, sino a una forma de ver con los
estados alterados, fragmentados, interrumpidos, una expresión del duelo
patológico, de las pérdidas.El color y el acto de pintar son una estrategia y en
ese proceso se conforma el sistema de pensamiento. El esqueleto de bastidor
lleva a que la pintura se transforme en un cuerpo, que va reformulándose sobre
sí misma, se congrega en zonas de franjas abigarradas o espacios más amplios y
de color pleno. Zonas que entredejan ver errores, acumulaciones, gestos,
desórdenes rítmicos, manchas, loops.Un apunte sobre barras paralelas, sobre
rectángulos y cuadrados que ensordecen a los de la capa anterior, que se
muestran a partir de un borde, conformando así, una historia clínica del cuadro.
Fernando López Lage
CV
López Lage - Artista
y director de la Fundación de Arte Contemporáneo (fac) donde desarrolla tareas
como docente y curador. Desde 1987 participa en muestras colectivas e
individuales en Uruguay y el exterior. Se destacan: “Boomerang” Alianza
Francesa de Montevideo (Mayo 2009), “El archivo del monitor plástico” CME
SUBTE Marzo de 2012, “Montevideo, New visions” en Couturrier gallery, Los
Angeles USA (Abril 2012), López Lage- artista en comisión del Centro Cultural de
España en el 2005, donde elabora proyecto para la fachada del edificio e
intervención edilicia para el piso de la mediateca. “Barras Paralelas”
Centro Municipal de exposiciones Subte en el 2001, “Biblia Pauperum” en la
Colección Engelman Ost en 1997,”La venganza del hombre tóxico” Alianza
Cultural Uruguay USA, Mia Gallery en Seatlle en 1991, Linda Moore
Gallery en San Diego en el mismo año, en 1990. Participa en numerosas
ferias internacionales de arte: Los Ángeles, Chicago, Arte BA, Estocolmo,
ARCO. En Uruguay recibió numerosos premios en concursos de arte. Fue invitado
por la Asociación internacional de críticos de arte para integrar el envío
a la Bienal de pintura de Cuenca/Ecuador (1989) donde obtiene el premio Le
Parc mejor pintor latinoamericano menor de 35 años. Asimismo a la Bienal de la
Habana (1992)y nuevamente a la Bienal de pintura de Cuenca/Ecuador(1994)
invitado por el comité organizador. En 2007 participa en la Bienal
del MERCOSUR “Conversas”. Además es docente en la tecnicatura de Gestión
cultural de la Fundación Itaú y director de la Tecnicatura en Arte
y Curaduría.
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